Uno de los mejores cuadros de Goya es 'Perro semihundido' estuvo a
punto de desaparecer. El dueño de la finca, un aristócrata francés que
compró la finca a los herederos del pintor, tuvo la idea de arrancar las
pinturas de la pared mediante la técnica del strappo (arranque). Lo
quisieron vender en Francia y nadie pujó por él. Así que su dueño lo
donó al museo del Prado. Hoy está considerado una obra maestra y todos
dudan de su significado. Pero si nos detenemos a contemplar las
fotografías que le hizo Jean Laurent en 1874, entenderemos todo...Continuar leyendo:https://www.meneame.net/m/cultura/dia-entendimos-cuadro-goya-gracias-vieja-fotografia
Hacia 1804 Francisco de Goya realizó el aguafuerte Dios se lo pague a usted, patética imagen en la que un ciego es embestido por un toro, simbólica expresión de lo que significa padecer una discapacidad física.
Dios se lo pague a usted. Realizado hacia 1804
En torno a 1811, Goya grabó las tres estampas conocidas como los Prisioneros. Sin grandes alardes, Goya transmite con rotundidad la crueldad de la cárcel. La cabeza inclinada hacia abajo de los tres prisioneros evoca la humillación; las cadenas y grilletes, la privación de libertad. Los tres grabados provocan la indignación ante el tormento y la tortura y transmiten eficazmente el sentimiento de soledad y desamparo en el interior de la celda. Estas tres estampas no fueron editadas en vida de Goya.
Tan bárbara la seguridadd como el delito. Entre 1810 y 1815
Si es delincuente que muera presto. Entre 1810 y 1815
La seguridad del reo no exige tormento. Entre 1810 y 1815
El Coloso es uno de los grabados sueltos más excepcionales de Goya. Realizado entre 1810 y 1818, guarda estrecha relación con el cuadro del mismo título del Museo del Prado. El Coloso es un reflejo del oscurecimiento del universo de Goya en el que los temas sombríos y estremecedores despuntan ya como una constante en la concepción pesimista del mundo que rodeaba al pintor pontenciada, si cabe, por la sordera que padecía.
Una visita a la sala de las pinturas negras de Goya inaugura una serie del escritor, que ve en el célebre cuadro del duelo a palos ecos de la riña política ante el desafío independentista
Un visitante contempla la obra 'Duelo a garrotazos', de Goya, en la sala de las pinturas negras del Museo del Prado.B. P.EL PAÍS
Recuerdo aquella mañana de un otoño ya muy lejano en que entré totalmente fumado en la sala de las pinturas negras de Goya en el Museo del Prado y la sensación que me produjo el cuadro Duelo a garrotazos
bajo los efectos de la marihuana. Eran tiempos de batallas urbanas
contra la policía en los estertores de la dictadura. Por Atocha y la
Ciudad Universitaria madrileña había manifestaciones cada día con
pancartas y gritos de libertad, amnistía y estatutos de autonomía, con
nubes de gases lacrimógenos, balas de goma y algunas de plomo que habían
acarreado varios muertos.
En Ámsterdam, había adquirido una hierba de excelente calidad en los
tenderetes de la discoteca Paradiso, una antigua iglesia convertida por
los hippies en su tabernáculo, y en aquel Madrid descoyuntado
por los dolores de parto de una democracia extraída con fórceps, dentro
del coche aparcado a la sombra de la Academia Española de la Lengua,
liaba un canuto en forma de trompeta, lo apuraba con lentas caladas, me
paseaba primero sobre las hojas caídas, rojas, amarillas, moradas del
Jardín Botánico y luego, fumado hasta muy abajo entraba en el Museo del
Prado con la esperanza de que la hierba me abriera las puertas de la
percepción hasta las entrañas invisibles que había debajo de la belleza.
En cierto modo este placer era también una forma de resistencia al franquismo.
En aquel tiempo, el Museo del Prado estaba prácticamente deshabitado.
En un ángulo de cada sala vacía dormitaba un bedel y mientras avanzaba
en soledad entre óleos de reyes, santos, caballeros y batallas me acogía
la sensación alucinada de que aquellas figuras de las paredes solo eran
la creación del sueño de sus vigilantes dormidos. La hierba dividía los
cuadros en dos: los que te subían y los que te bajaban. La hierba
exaltaba hasta un grado indecible El Jardín de las delicias de
El Bosco y a todo el Greco, a Tiziano y Velázquez. Sus personajes
abandonaban los marcos y ocupaban todo el aire por donde veía volar a
las meninas, a las vírgenes de Murillo, al adusto caballero de la mano
en el pecho junto con alguna venus muy carnal. Era una sensación
placentera. En cambio, al entrar en la sala donde se exhibían las
pinturas negras de Goya notaba que no había forma de que aquellas
figuras diabólicas las diluyera la morbidez del cannabis. Esta paranoia se acrecentó al contemplar de cerca el cuadro de Duelo a garrotazos.
Tal vez este rechazo se debía a que esta pintura solo expresaba el odio
profundo entre las dos Españas, que había aflorado de nuevo en la
calle. De hecho, desde allí se oía en ese momento un helicóptero de la
policía sobrevolando una asonada.
Según su doble fuente de inspiración, Goya pintaba juegos de columpio
y fiestas felices en la pradera, una duquesa desnuda con carne de nácar
y aguafuertes llenos de brujas y ajusticiados, cartones para tapices
con escenas galantes y ahorcados, capirotes de la Inquisición, el
garrote vil, un asno con levita y un macho cabrío presidiendo un
aquelarre. La España atroz y la de la Ilustración convivían en sus
lienzos. Cuando Goya se fue a vivir a la Quinta del Sordo, hacia 1819,
era un viejo lleno de cólera y sabiduría. Durante los cuatro años de
misantropía que estuvo allí enclaustrado luchando contra sus demonios se
dedicó a cubrir 32 metros cuadrados de pared con visiones corrosivas y
pesadillas esquizofrénicas. En la cartela que acompaña al cuadro Duelo a garrotazos
se explica que esa clase de pelea a muerte solo se permitía en Cataluña
y en Aragón. En el resto de España estaba prohibida. En la pintura
original esa pareja de españoles raciales tiene los pies sobre la
hierba, pero al pasar la pintura al lienzo desde las paredes encoladas,
la restauración deplorable hizo que aparecieran con las piernas
enterradas y ese error ha convertido la escena en un símbolo del
violento inmovilismo español como un destino aciago.
Algunos expertos opinan que Goya en los días felices había pintado
bocetos de dulces vendimias con colores pastel debajo de esas pinturas
negras y uno en aquel lejano otoño trataba de adivinarlas inútilmente
ayudado por el cannabis dentro de las nubes azules y rosas que
presiden la pelea de los dos villanos. Hoy, la sala de las pinturas
negras de Goya está siempre abarrotada de espectadores que solo buscan
la belleza, pero la incompetencia de los líderes políticos ha hecho que el desafío independentista contra el Estado
reproduzca la escena de una España ciega con las piernas enterradas.
Hubo un tiempo en que un sueño de ética y libertad unió a los catalanes y
el resto de los españoles. Ignoro si todavía es posible imaginar que un
delicado racimo de uvas invisible se halla en medio de esos dos
bellacos que se están matando a garrotazos.
"Aunque está débil y achacoso, marcado por el tiempo, sus ojos arden de vida e intensidad cuando fija la mirada en el exterior...Aunque el cuerpo pueda fallarle, la mente está alerta y curiosa."
Jonathan Brown sobre la obra Aun aprendo, de Francisco de Goya. [Álbum G. 54; lápiz negro; lápiz litográfico sobre papel; 1826 Museo Nacional del Prado.]
En sus 'Pinturas negras', Goya refleja la angustia en que se debatió
Cuando se trata de evocar la figura de Goya en Madrid, aparecen en mi
pensamiento dos acontecimientos muy precisos: el furor de los
fusilamientos del 3 de mayo de 1808 y el momento cuando en el año 1823 y
en la soledad de su Quinta del Sordo, Goya toma una de sus más
angustiosas decisiones: la de emprender el camino del exilio.
Saturno devorando a sus hijos', de Francisco de Goya.
Imagino al aragonés como a un fantasma en la noche de la masacre
intentando alumbrar las tinieblas con una linterna, diminuta fuente de
luz amarillenta, para avanzar entre caídos, hacerse paso entre muertos y
tomar nota, con su mirada de pintor, de las víctimas de la Montaña del
Príncipe Pío. Precisamente esta imagen es el rebobinamiento de una
película interna, cuyos protagonistas son aquellos que justo antes de la
matanza fueron vecinos de Madrid llenos de vida y de entusiasmo. El
hombre de la camisa blanca con los brazos en cruz ofreciendo su pecho a
las balas del invasor es un momento pictórico fulgurante que va más allá
del lienzo y saca la figura de la Historia para fijarla en la historia
del arte. Amanece en Madrid y el cielo se tiñe de rojo mientras en la
lejanía se escuchan los gritos de los allegados. El alba da tregua al
escarlata que se ha convertido en sangre seca por los suelos. Un
estremecimiento recorre a Francisco de Goya que apaga el farol: ya tiene
bastante y se refugia en su íntima desesperanza.
Antes de alejarse defintivamente del terror absolutista, Goya pinta a
Judith y a Saturno a la izquierda y a la derecha de la ventana sobre el
yeso de la pared de su comedor. Pinta el mal mitólogico con Judith y Holofernes y con Saturno devorando a un hijo,
ella asesina al general de Nabucodonosor y él se come a dentelladas a
uno de sus hijos. La joven viuda de Betulia golpea a Holofernes dormido
en medio de una semi oscuridad. Lo degolla en presencia de su criada
porque la ejecución exige un testigo. Goya lo sabe. En cuanto al dios,
hirsuto y con un excelente apetito, se atraganta en su festín de carne
infantil. Con sus últimas pinceladas Goya recuerda a Francisco de
Quevedo que proclamaba que España devoraba a sus hijos y es consciente
de que no tiene más remedio que enfrentarse con sus propias obsesiones:
el momento del último cuadro y el de la huida sin retorno para defender
su independencia. Cuando abandona su Quinta del Sordo sabe que ya
empieza su viaje imposible pero se engaña a sí mismo de una manera
infantil, como todos los candidatos al exilio, salmodiando que pronto
volverá, que será corta su estancia en el balneario de Plombières y que
sin que transcurra mucho tiempo le aliviará de sus achaques.
En sus catorce frescos históricos titulados Momentos estelares de la humanidad
Stefan Zweig tiene en cuenta que una decisión no tomada, o quizás
tomada, marca un rumbo durante siglos y cambia la historia de la
humanidad. Yo diría que Goya, solo y desesperado, encerrado en su
aposento frente a sus pinturas murales, al decidir exiliarse a Francia
inaugura un momento estelar español, pero también universal, del drama
del exiliado y del desplazado. Anuncia lo que será la Historia de España
con sus migraciones políticas o económicas -o las dos- en la que se
vieron envueltos una buena parte de los intelectuales españoles, entre
ellos José María Blanco White, que se rebelaron contra lo que se cocía
politicamente en aquella época.
A esta breve recopilación de momentos que considero memorables,
añadiré la sensación que vivo cuando me aventuro en las salas de las
Pinturas Negras del Museo del Prado. Porque en ese cine de barrio, ese
cine al abierto en una noche caliente que son para mí estas catorce
piezas, destacan tres pinturas, como tres focos de luz de una cámara
fotográfica, que iluminan las otras y que las hacen resplandecer, tres
focos de luz ocre y oro que son las luces que apenas alumbran las
tinieblas en las que se debatió el pintor Goya.
El Museo del Prado acoge la exposición ‘Goya en Madrid’, un acercamiento
a sus cartones para tapices. La muestra puede visitarse hasta el 3 de
mayo de 2015. Seguimos el rastro del genio repartido por la ciudad, mas
allá de su monumental presencia en la pinacoteca
La Pradera de San Isidro
'Perros en traílla', de Goya, 1775, una de las obras de la exposición 'Goya en Madrid', en el Museo del Prado.
'La boda' (1792), ejemplo de cómo el artista criticaba costumbres de su época como los casamientos de conveniencia.
Niños con perro de presa' (1786). Los animales, sobre todo los perros de presa, eran uno de los motivos predilectos del pintor, aficionado a la caza.
Las lavanderas' (1776-1780), otra de las escenas populares plasmadas por el artista, que conoció bien los lugares y gentes de la capital del reino.
'La nevada o El Invierno' (1786), uno de las obras de Goya sobre las estaciones del año.
El juego de pelota a pala' (1779). Goya fue uno de los artistas con el encargo de decorar los reales sitios con motivos alegres.
'Baile a orillas del Manzanares' (1776-1777), una de las muchas estampas de Madrid que pintó el artista aragonés.
......su intento sólo es desterrar vulgaridades perjudiciales y perpetuar en esta obra de caprichos el testimonio sólido de la verdad.
FRANCISCO DE GOYA
